Continuamos esta semana con otros dos refrescantes cortometrajes de animación, de corta duración pero de una gran intensidad filmoterapeutica, perfectos para esta época del año. Dos ganadores del oscar al mejor cortometraje, Harvey Krumpet (22 minutos de duración), ganadora en el  2003. Y Padre e hija (8 minutos de duración), ganadora en el  2000.

Que lo disfruten

HARVEY KRUMPET, Australia (2003)

Cuando pensamos en la superación personal enseguida nos vienen a la mente imágenes como la de un campeón olímpico, una empresario con éxito, la lucha contra una enfermedad mortal o la superación de un grave infortunio, pero la superación personal no tiene porque ser llegar a metas grandiosas, realizar escaladas inverosímiles o acometer actos admirables. La superación personal también puede ser conseguir tener una vida corriente, una vida que todos dan por supuesta pero que en ocasiones su realización exige más vitalidad y ganas de vivir que muchas acciones que podamos emprender.

Tener un trabajo, un sueldo digno, conocer a alguien, disfrutar de pequeños placeres, convivir con algún déficit, formar una familia. Son aspectos que hoy en día consideramos como básicos en nuestras vidas, no los saboreamos ni los disfrutamos porque es lo que debemos hacer y tener, luego quizás seamos felices, pero en Harvey Krumpet nos demuestra en el cortometraje que vivir la vida, por muy normalita y simple que sea es también superarse y triunfar en la vida. Muchas personas creen que su felicidad está determinado por extraordinarios logros en vida y cuanto mas logros mas felicidad, pero Harvey Krumpet nos confirma lo contrario, cuando una persona mayor mira hacia atrás en su vida, habitualmente encuentra que la satisfacción que recibió de las relaciones y del modo en que vivió fue mucho mas importante de lo que hizo y consiguió. Por eso nuestro mayor éxito en la vida, nuestra mayor superación personal quizás sea aprender a vivir, a vivir la vida, a vivir nuestra vida.

Filmoterapia

“Este cortometraje es un homenaje a todos aquellos que lejos de cargar únicamente con sus propias dificultades asumen con ilusión las de otros a cambio de su amor y cariño. Harvie Krumpet es un canto a la vida y a la lucha por la dignidad de las personas, un reclamo para todos aquellos que no son capaces de alzar su propia bandera (Harvie optará por el nudismo y la defensa de los derechos de los animales, así como por un filantrópico estilo de vida donde su principal interés, queriendo o sin querer, será su entorno próximo). Adam Elliot consigue una lograda historia que además de encomiable en lo técnico explora muchos de los problemas sociales y políticos del siglo XX y, por supuesto, XXI. En cierto sentido nos encontramos una crítica frente a la pérdida de los lazos familiares en medio de un mundo globalizado y exigente*, el drama de la pérdida de raíces a causa de las catástrofes bélicas**, los bienes que nos reporta el vivir como un niño consciente hasta cierto punto de las responsabilidades: ese es el verdadero superhombre, aquel que nunca se olvida de cómo jugar, de disfrutar de los pequeños placeres de la vida que bien pueden ser cualquier bocanada de aíre fresco o el simple momento en que acariciamos la cama para irnos a dormir. Hay reflexiones en torno a la propia eutanasia***. Un film completísimo que tan sólo dura 22 minutos. Yo casi diría que es un auténtico milagro el modo en que queda perfilada la personalidad de este entrañable Harvie Krumpet, al cual es imposible no querer”(Crítica de Davilochi(Filmaffinity))

PADRE E HIJA, Holanda (2000)

“La muerte se lleva todo lo que no fue pero nosotros nos quedamos con lo que tuvimos” (Rabino Mario Rojzman)

Padre e hija es un corto que con una hermosa melancolía nos habla sobre la vida, sobre los recuerdos de las personas que añoramos y que ya no están con nosotros. Caminamos nuestro camino en vida, muchas veces solos y muchas otras acompañados, y en algún punto de nuestro camino alguien quien nos acompaña, alguien a quien tanto amamos se va, muere, desaparece de nuestras vidas, Seguimos con nuestra existencia pero de vez en cuando nos gusta volver a aquel punto en aquel sendero en donde esta persona desapareció y recordarlo, esperarlo en nuestra memoria, sintiendo que si así lo hacemos volverá con nosotros , aunque sea en nuestros sentimientos y emociones. Recordar al que ya no está es necesario para una vida plena, es parte del proceso del duelo. Superar con éxito el duelo por la muerte de un ser querido no es olvidar, es aceptar que ya no está, es aceptar lo que hemos vivido juntos, es aceptar que está en nuestra memoria, es aceptar al fin y al cabo a convivir con nuestro pasado y nuestro presente.

Filmoterapia

“¿Cómo es posible que cuatro trazos sobre el papel, levemente esbozados, expresen tanta humanidad? Sin palabras, sin apenas gestos. Personajes que parecen sombras.

Padre e hija es la historia de una despedida. Un padre que tiene que partir, tal vez para siempre, pero su hija no pierde la esperanza de volver a verlo, y por eso acude puntualmente a la cita, todos los meses, todos los años, mientras crece, forma su familia y mira con melancolía el horizonte. Envejece, pero el deseo de su corazón de niña nunca se desvanece.

Perfecto en su argumento, en la técnica de animación, en la música, en los colores, Dudok De Wit conjuga sensibilidad, cariño, sencillez, congoja, tibieza, nostalgia y melancolía en 8 minutos y 15 segundos. Infinidad de detalles que descubrir y observar.“(Crítica de Helen (Filmaffinity))

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Esta semana vamos a presentaros 2 cortometrajes de animación muy especiales para esta parte de nuestro verano europeo, un post filmoterapéutico a modo de refrigerio.

LA MAISON EN PETITS CUBES (Kunio Katô, 2008)

Ganador al Oscar por mejor cortometraje de animación en el 2008, La Maison en petits cubes es un corto encantador y melancólico sobre un hombre mayor que vive solo en una casita en medio del mar. El nivel del agua vuelve a subir, y una vez más, el tejado le servirá como cimiento para levantar una nueva casa. En sus rutinas solitarias, siempre con su pipa en la boca, cada uno de estos hábitos llegan al grado de ser espirituales, sin ellos su vida casi se tambalea. El día que se le cae su preciada pipa al agua, intenta sustituirla por otras, pero todo el valor sentimental hace que decida emprender un viaje al fondo del mar que se convertirá en un recorrido por sus recuerdos, por su pasado, por su memoria. Cada “cubo” era una casa, una habitación, construida tras otra subida del nivel del agua, y en cada una había una imagen y su evocación. Su nieto, la boda de su hija, el nacimiento, su vida en familia, el amor a su mujer, su infancia.

Se diluyen aquí dos planteamientos, el no avanzar por no abandonar recuerdos, que en verdad alimentan su vida y su memoria; y el negarse a formar parte del todo de una sociedad, que bien podría ser positivo en su sentido evolutivo, pero podría también suponer una pérdida de identidad dentro de ese todo.

Acompañado de una melodía en piano y cuerda que parece salida de una cajita de música (Kenji Kondo, el compositor de videojuegos como Super Mario Bros), y compuesto por imágenes “en óleo”, sin necesidad de diálogo alguno, este corto es un homenaje a muchas realidades. Bajo una fuerte línea de la otra cara del “modernismo”, la subida del nivel del mar, y el intento de mantener lo tradicional, vemos también la soledad, la negación a lo nuevo, el apego a los recuerdos físicos,… y la idea de cerrar un ciclo vital completo donde tuvo lugar el inicio de otros nuevos.

“No hay quejas, causas, culpables ni soluciones. El protagonista se adapta a las circunstancias, arrojarse al desencanto y desesperanza no le devolverá a sus seres queridos. La riqueza ancestral lo mantiene en pie y lo conmina a seguir adelante ante cualquier adversidad. Al final, basta con tabaco, vino, cubiertos y mesa para dos, todo frente al ocaso de otro día más en el mundo de cada quien. ¡Un brindis y que haya suerte!”

SKHIZEIN (Jérémy Clapin, 2008)

“Skhizein” es una palabra griega que viene a significar algo así como “separar” o “dividir”. Así mismo, la raíz de la palabra procede de schizophrenia (es decir, esquizofrenia).

Muy diferente al anterior en colores, historia y evolución, Skhizein nos habla de un hombre joven, Henry, que también vive solo. Un día le cae un meteorito al asomarse por la ventana y a partir de ahí empieza un fenómeno paranormal que es vivir a 91 centímetros exactos de su cuerpo. Tendrá que adaptar su casa, su estilo de vida, su trabajo, a estos 91 centímetros que le separan de la realidad. Henry acude a psicólogos, va al encuentro del meteorito para volver a la normalidad, pero nada mejora.

Entre un humor oscuro, y un acercamiento a la impotencia que a Henry le atrapa, Skhizein está, como el personaje, entre la realidad y su separación. Deja ver la historia al completo, pero no juzga, no da paso directo a su versión real, y como dice el propio director, “¿y si la locura se midiese en centímetros?”.

“Un estudio de 14 minutos sobre el existencialismo, y un profundo comentario sobre la despersonalización (…) Es una película impresionante, cada vez más según avanzan los minutos.” (Amy Biancolli: Houston Chronicle)

“(…)¿Esto se podría dar en la vida real? Claro. Una persona que se siente fuera de si, que esta desconectada o que simplemente no encontró el rumbo. Hay personas que buscan caminos alternativos para llegar al mismo lugar y eso a veces trae mayores inconvenientes. Ademas en numerosos casos son tan incomprendidos como el muchacho en cuestión. Incluso profesionales o gente de relevancia pueden juzgar como incoherentes o mal interpretar determinadas decisiones. Como en la mayoría de las cosas que importan de la vida, se trata de ir mas allá, de atravesar barreras. “(fadmonkeys.com.ar)

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¿Qué tienen en común películas como “Flores rotas”, “Lost in Translation”, “Fantástico Sr. Fox”, “American Beauty”, “Hannah y sus hermanas”…? Todas ellas sitúan a protagonistas a una edad determinada, más allá de los 30 años, en busca de algo en sus vidas. Algunos buscan algo muy concreto, otros van variando a ver si encuentran algo que pueda ser justamente lo que buscan; pero todos ellos buscan de fondo un cambio en sus trayectos, en sus perspectivas para tomar así un camino de nuevas tonalidades en su concepto de felicidad.
De todas ellas, hemos elegido para comentar en Filmoterapia “Hannah y sus hermanas”, llevada por “el maestro de las crisis”, Woody Allen, es una buena muestra para el post de hoy; las historias de los personajes se van entremezclando a través de diálogos, reflexiones, citas y casualidades, dando lugar a un film de gran riqueza en la humanidad que presenta, tanto en su debilidad como en su fortaleza.

Tres hermanas ya adultas comparten sus devenires, sus pequeñas tragedias, sus logros. Cada una es diferente de la otra. La mayor, Hannah, es la responsable, la personalidad cuidadora, maternalista, aparentemente sin problemas ni preocupaciones, divorciada pero nuevamente casada en un matrimonio parece que feliz, con sus 4 hijos adoptados y un trabajo estable y pleno a nivel artístico.
Lee, la hermana pequeña; al igual que Holly, la mediana, busca realizarse a través de una creatividad dispersa y desconocida. Ambas tienen en común un pasado de adicciones, y ahora toman rumbo hacia la estabilidad y la transformación.(Ver video)

Maridos y ex-maridos son en esta película los personajes secundarios que fluctúan en la realidad de las tres hermanas, con lo que pasan a ser motivos principales en la trama del film.
Todos están se encuentran en un momento limítrofe, se alejan de su juventud biológica, pero también cultural, y se acercan un poco más a la vejez. De ahí vendrá una de las más fuertes razones para esa necesidad de cambio. Se ha estudiado que la llamada crisis de la mediana edad no es un proceso vital ya prefijado, sino que el hecho de que se dé o no, dependerá de muchos más factores, entre otros, la personalidad y el pasado, y a veces, simplemente coincide con las circunstancias. Las crisis se pueden dar a cualquier edad, cada vez que se acaba o comienza algo nuevo, hay algo que se remueve por dentro, el miedo y la atracción por lo desconocido. A día de hoy, tan guiados y encaminados ciegamente como estamos, sin la brújula interior, es comprensible que se dé una ocasión, la edad, un hecho, algo, que hace que nos planteemos qué hacemos, qué hemos hecho y a dónde vamos, ¿es ése el desarrollo y el nivel de felicidad, de nuestra idea de felicidad, que verdaderamente buscábamos? En este sobresalto, nos preguntamos además si nos queda tiempo para hacer cambios, y si hay personas que sería mejor mover a nivel interpersonal para alcanzar nuestros nuevos objetivos.
Dentro de esta heterogeneidad, Woody Allen parece presentarnos a dos estilos de persona:
- Los inestables: Lee, Holly y el mismo Woody Allen representando a Micky, el exmarido de Hannah, un completo hipocondríaco (Ver video)

- Los aparentemente estables y realizados: Hannah y su marido Elliot.
Y esta variedad de personajes seguirán un proceso similar ante este sobresalto, desde la reflexión y la aceptación de la vida y los límites que les ha tocado, de quiénes han sido, hasta la reorganización de sus ideas y sus sueños sobre hacia dónde quieren ir, de qué forma llegarán a realizarse, y cómo llegar al cambio. Lee, en su ingenuidad, y Elliot, en su negación de hacerse mayor, coquetearán fuera de sus respectivas relaciones, y así encontrarán sus emociones más sinceras(ver video).

Holly probará nuevas experiencias laborales antes de llegar a su realización creativa. Micky tendrá que llegar a una verdadera crisis hipocondríaca que le hará plantearse todo el sentido de existir, y sólo podrá calmarse reconociendo los pequeños placeres, incluido el placer de estar vivo. Y Hannah necesitará de sus hermanas y de su marido para destapar la máscara de la mujer perfecta que tanto peso le hacía cargar.
Es éste el momento justo, cuando nos encontramos con nosotros, con la satisfacción y con los sueños, cuando se genera nuestra mejor cara y nos dejamos conocer a aquéllos que percibimos en un punto parecido al nuestro.

La película hilvana episodios de las vidas entrecruzadas de los personajes, que bajo una apriencia de sosiego y normalidad, ocultan insatisfacciones, frustraciones, desarraigos y amarguras. Se plantean interrogantes sobre la vida, la muerte, el dolor, la enfermedad, la fidelidad, los hijos, la religión y las grandes tragedias de la Humanidad (Auschwitz, Gestapo, nazismo). Micky apoya su reflexión en las aportaciones de grandes pensadores, como Nietzsche, Sócrates (corruptor de menores); científicos (Freud y sus discípulos); creadores literarios, como Tolstoi (”La única cereteza absoluta a la que puede llegar el hombre es que la vida no tiene sentido”). Extracto de crítica de Miquel en Filmaffinity.

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Cuando pensamos en individuos creativos siempre nos vienen a la mente personajes como Picasso, Beethoven o Ferrán AdriÁ. Pero la creatividad no solo se demuestra en creaciones artísticas de gran nivel, también puede ser trasladada al día a día, a situaciones críticas  en nuestras vidas que pueden combatirse y superarse gracias a esta gran fortaleza.

Si la semana pasada nos centrábamos en la creatividad de un pianista genial en la película Shine, comentamos en el post de hoy el personaje de Guido Orefice (Roberto Benigni) en La vida es bella, un individuo creativo en su día a día, capaz incluso de afrontar situaciones muy graves con enorme eficiencia gracias a su  gran creatividad e imaginación.

Ambientada en la Italia del fascismo y la guerra mundial, podríamos dividir la película en dos partes diferenciadas, las escenas pre- campo de concentración y las del campo de concentración. Cada una de las dos partes contiene diferentes variaciones de una historia de amor. En la primera parte Guido corteja a Dora, en la segunda protege a su hijo Giosué, siendo  la creatividad de Guido el eje central de las dos historias, una fortaleza que estimulará el amor y el sentido del humor en ambas partes.

Ya al comienzo de la película su amigo poeta aporta a Guido la sabiduría para seguir adelante durante toda la historia: “Schopenauer dice que con la voluntad se puede ser todo. Yo soy lo que quiero”.Una frase que describe la intención de Guido, y una inspiración que conduce su creatividad y su determinación a afrontar todo lo que el futuro le depare.

En la primera parte de la película la creatividad de Guido esta plenamente presente (resuelve adivinanzas que un eminente físico tarda semanas, se burla del racismo dando una excéntrica charla sobre las razas en una escuela de élite, o liga con Dora improvisando “encuentros espontáneos” con ella). En situaciones estresantes, mientras que muchas personas estarían devastadas o angustiadas Guido aprovecha los estresores de manera productiva y consigue sacar partido de ello. Por ejemplo, tras encontrar  el caballo de su tio  pintado de verde con alusiones racistas y antisemitas, rápidamente Guido lo utilizará para entrar en una sala lleno de fascistas, burlarse de ellos y animar de paso a Dora a escaparse con el.

En la segunda parte de la película Guido se enfrenta a obstáculos mucho mas graves, que amenazan su vida y que le obligarán a utilizar su creatividad al máximo para mantener a sus hijo vivo y que este sea capaz de aguantar las difíciles situaciones que les esperan. La fortaleza de Guido es evidente en el sentido en que se vuelve entusiasta y excitado ante situaciones extremas solo para que su hijo no viva la enorme preocupación que Guido siente ante lo que ocurre. Por ejemplo, mientras Guido, su tío y su hijo son transportados al tren que les llevará al campo de concentración, Guido rápidamente analiza la situación y disipa la confusión de su hijo, contándole que todo esto ha sido programado por él, para celebrar por todo lo alto su cumpleaños, había comprado unos billetes para un viaje en tren.

Guido ve cada experiencia trágica como una oportunidad, y siempre adopta una actitud positiva a través de estas experiencias, lo que le ayuda a mantener la sensación de que el y su hijo controlan la situación, no los nazis que les dominan.

Tras llegar en tren al campo de concentración Giosué le pregunta a Guido que clase de juego están jugando y Guido utiliza esta pregunta para crear un detallado juego, con reglas, premios y condiciones. En una escena ya clásica, Guido , que no sabe nada de alemán se ofrece para traducir las instrucciones del oficial nazi a los judíos recién llegados al campo de concentración. Con una creatividad y espontaneidad única, Guido arriesga su vida para mantener el juego y continuar protegiendo a su hijo (ver video a continuación).

El enfoque de Guido puede ser irreal e imposible, sin embargo este no es el punto de la fábula ni el propósito de nuestro post. La película ayuda al espectador a examinar las fortalezas de Guido y como estas fortalezas pueden ser utilizadas para remontar obstáculos aparentemente irremontables.

La creatividad de Guido se extiende hacia su hijo, su mujer y todos aquellos con los que está en contacto. Amortigua el estrés de su hijo, pero también le facilita sus intentos por sobrellevar la vida en el campo.

Como una persona creativa, Guido tiene ideas y comportamientos que son muy originales y adaptativos a las situaciones a las que se enfrenta. Guido toma decisiones flexibles, es capaz de encontrar orden en cualquier tipo de caos, construye continuamente  nuevas estructuras mentales, se cuestiona todo tipo de normas, posee una gran imaginación,etc.Elementos clave en la definción de la creatividad

Asi mismo, la manera en que Guido procesa la información es creativa en su espontaneidad y flexibilidad. El producto final, un juego con el campo de concentración, refleja una imaginación de proporciones enormes. El persuasivo poder de su creatividad emerge a lo largo de la película, logrando convencer a su mujer para que se casen o luchando para salvar a su hijo.

Obviamente Guido tiene una serie de cualidades y fortalezas que van mas allá de su creatividad como son el optimismo, la inteligencia interpersonal, la valentía, la persistencia, el sentido del humor, el autocontrol o la esperanza. Sin embargo es la creatividad la principal fortaleza que nos muestra la película y se convierte en eje de la historia, Guido ama creativamente, ríe creativamente, incluso lucha creativamente.

Sería muy interesante estudiar cuales son las fortalezas mas prevalecientes entre los supervivientes de los campos de concentración, como ayudaron estas fortalezas a sobrellevar y afrontar unas circunstancias tan terribles. Mientras que un ficticio Guido lo afronta desde la creatividad como fortaleza, Víctor Frankl nos cuenta en “El hombre en busca del sentido” como él sobrevivió gracias a dos fortalezas, la capacidad de trascender y una mente abierta, mientras que Elie Wiesel nos habla en “Trilogía de la noche” de la prudencia y la persistencia como sus mayores mecanismos de afrontamiento.

Capacidad para emocionarnos, optimismo, vitalidad, sentido del humor y fortalezas de su personaje son algunas de las características que convierten a La vida en una gran película filmoterapeutica, y es que cuando uno ve de nuevo la película entiende rápidamente porque ha sido elegida entre las 5 películas mas filmoterapeuticas de todos los tiempos por nuestros lectores(VER LISTA).

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Comenzamos esta semana un especial filmoterapia  sobre la creatividad como fortaleza en el cine,  personajes que utilizan esta fortaleza y cualidad psicologica para ser felices o afrontar situaciones complicadas en sus vidas. No solo grandes artistas, si no personas normales que desde la creatividad construyen sus vidas y compensan deficits psicologicos.

La creatividad individual es definida como la producción de  ideas o comportamientos originales y adaptativos y que contribuyen de manera notable en la vida del individuo o en la de otras personas.(Peterson y Seligman 2004)

En psicología se habla de dos tipos de creatividad. La creatividad “Big C”,  referida a una extrema originalidad o inventiva, visible y publicamente reconocida como creaciones de grandes pintores, músicos,cineastas, etc. Y  la creatividad “Little C” , referida a la creatividad diaria o ingenio que surge de las soluciones creativas a los problemas diarios.

Esta semana hablaremos de la creatividad “Big C” en SHINE(una historia basada en la vida del pianista  David Helfgott),  un film australiano que presenta “genialidad y locura” en una misma persona.
David Helfgott, empezó a formarse prodigiosamente como pianista ya desde niño. La película nos muestra inicialmente un niño como el resto, con ganas de jugar, de tener amigos, de ser querido. Y con esta última baza va a jugar su padre: va a ser la clave en toda su historia. Un hombre que ha pasado una vida dura, con limitaciones, en períodos de guerra, y que sólo concibe los premios con la única filosofía del esfuerzo, el sufrimiento y la competitividad. “Tienes mucha suerte, repite conmigo” “Tienes que ganar siempre”, son las frases que iban quedando en la cabeza de David.

Los elogios venían de fuera, nunca de su padre; de él llegaban impulsos y broncas para hacerlo mejor de lo que lo hacía. Y no estaba abierto a los cambios, a otro tipo de educación más basada en refuerzos positivos, en progresiones, y no sólo en ganar. Esta dominancia y deseo de poder y control, llegaba al punto de pegarle y amedrentarle emocional y físicamente. Y su madre y sus hermanas atemorizadas no podían hacer nada. Sin embargo, David había aprendido a necesitar el amor y la aceptación total de su padre en todos los aspectos (que también existía), y por ello, empezó a convertirse en una persona dependiente de su aprobación, de sus gestos, de su mirada castigadora o beneplácita. Tanta insistencia por adelantarlo en evolución y en edad, provocó en verdad una falta de desarrollo en ciertos aspectos, por momentos parecía involucionar, volver a su infancia, perder el control de lo aprendido hasta ahora, volviéndolo inseguro y sin relaciones sociales a las que recurrir.

El director, Scott Hicks, hace aparecer a la madre de David en muy contadas ocasiones teniendo en cuenta que viven en la misma casa, y así parece percibirlo también él, esta aparente ausencia de su madre, no protectora para él, que pudiera explicar la posterior tendencia de David a buscar a mujeres mayores que él.

Cuando David al fin decide independizarse e irse con una beca a estudiar fuera de su ciudad, su padre le repudia para siempre. A pesar de ello, todo parece evolucionar bien, hasta que el genio pianista, tras tocar la pieza de piano más importante para su padre, entra en un episodio de ataque de pánico, y desde ahí, David se separa de su cuerpo, se abandona, como si se tratase de su propio castigo y repudia personal. Había estado viviendo en una realidad en riendas de su padre, ahora, al soltarse, pierde totalmente el dominio de su nueva realidad.

Es éste uno de los efectos que pueden sobrevenir por traumas psicológicos que suceden en la infancia o adolescencia, es un factor clave en el desarrollo de este tipo de enfermedades mentales.
A partir de aquí, empieza una nueva etapa en su vida; la enfermedad y el propio tratamiento psiquiátrico le aisla del mundo durante un tiempo, hasta que a través de personas que van apareciendo, empieza a retomar con los medios que ahora tiene, contacto poco a poco con el piano y con la gente, con su nueva realidad.

La película nos hace “convivir” en cierta manera con una persona con un trastorno de personalidad, nos sensibilizamos con ella, y nos quedamos con la aceptación y la cercanía de David Helfgott, un pianista claramente diferente, desorganizado en su comportamiento, en su habla, en su mirar. Detrás de sus repeticiones verbales, su majestuosidad como músico suple la comunicación, su única fuente y canal de expresión de emociones.
Estudios de Csikszentmihalyi indican que la libertad de expresión y la disposición de recursos, son esenciales para la aparición de la creatividad, aunque existe una dicotomía al respecto, y es el hecho de saber lidiar con esa libertad, saber conocer los límites antes de pasarse del todo. Para este psicólogo, la felicidad aumenta en un estado de fluir, esto sería como un estado de absorción y motivación completa de lo que se está haciendo. La falsa libertad de expresión, que estaba más cerca de la represión y la restricción, de la que le hacía disponer el padre de David a su hijo, fue una de las bases de su posterior enfermedad. Está claro que se juntaron muchos elementos, además de la posible predisposición genética, que precipitaron este trastorno de personalidad. Y sobre todo, la melancolía de un niño al que su padre castigó hasta su muerte.

Si bien es cierto que un exceso de presión creativa en la infancia de David Helfgcott provocaron una serie de traumas posteriores, con el tiempo esta creatividad llego a fluir en su vida,provocando que David aumentase su nivel de felicidad  y bienestar a partir de su musica, fluyendo en sus actuaciones, compensando su trastorno y reequilibrandole como persona.Porque eaunque la felicidad no llega sin más, hay que buscarla mediante el control directo de la experiencia y la habilidad para hallar la alegría de vivir en el disfrute de cada momento. Cada uno ha de jugar la partida de la vida con las cartas que le ha tocado genética y socialmente.

Acabamos con  un video del verdadero David Helfgott en una actuación en vivo, representando un claro ejemplo de estado de flujo, una estado de consciencia en la cual uno siente que las cosas se mueven de forma automatica, sin esfuerzo y con tremenda concentración. Un estado que a veces se denomina, estar en la “zona”, es decir, cuando uno esta libre de distracciones, afectos y  precocupaciones de la vida.

O.B.H.

Filmoterapia

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¿Por qué a veces nos emocionamos de manera tan intensa al observar actos moralmente bellos en una película? ¿Por qué cuando el protagonista consigue su objetivo nos estremecemos y se nos ponen los pelos de punta? ¿Como es posible que al acabar una película inspiradora nos quedemos durante minutos sentados en la butaca en una especie de trance, con una sensación de bienestar? .Este conjunto de sensaciones emocionales es lo que se llama el “proceso de elevación” y que hoy nos proponemos analizar.

La elevación es lo que sentimos cuando presenciamos algo que nos asombra, conmueve o inspira, particularmente cuando se trata de una acción admirable por parte de una persona. Nos “eleva” el ver a un atleta olímpico rompiendo todos los récords, o a un músico ofrecer una interpretación maravillosa de una pieza. Sobretodo, nos sentimos “elevados” cuando vemos a alguien realizar un acto de generosidad, valentía o entrega extraordinario. Presenciar la grandeza de otras personas nos inspira a tratar de hacer algo similar, a ser mejores. Cuando pensamos en la elevación, pensamos en los momentos en los que nos sentimos orgullosos de pertenecer al género humano.

El psicólogo social Jonathan Haidt acuño en 2003 el termino “elevación” para describir este tipo de emoción, describiendo tres componentes principales:

1. Ser testigo de un acto de belleza moral (ej.humanidad, valentía, persistencia, disfrute)
2. La sensación física de calidez, opresión en el pecho o sensación de bienestar;y/o un estremecimiento en la piel ,particularmente en la nuca, en la espalda o en la cabeza.
3. Una motivación a mejorar ética o moralmente(ej ayudando a otros o intentando ser mejor persona)

Hay algo delicioso al observar un personaje que demuestra su felicidad en una calle lluviosa (Cantando bajo la lluvia, 1952), fluye al pintar un cuadro (Historias de Nueva York, 1989), o consiguen ganar un apartido de baloncesto (Hoosiers, 1986).De la misma manera, el espectador queda impactado emocionalmente viendo una película sobre un personaje creativo(Man on wire, 2008), altruista (La lista de Schindler, 1993) o que persiste en sus metas(Gattaca, 1997).(Ver videos del final del post)

Cuando el espectador se encuentra en un proceso de “elevación” en una película , es como estar en un estado de trance, absorbido totalmente por la película  e influido por lo tanto con mayor intensidad por los valores, creencias y conductas de la escena en concreto.

Jonathan Haidt, quien acuñó el término de elevación, comenta: “en ocasiones un momento intenso de elevación es como  reiniciar el ordenador,  acabando con sentimientos como el cinismo y sustituyéndolos por sentimientos de esperanza, amor y optimismo, y un sentido de inspiración moral. ”
Los estudios neuropsicologicos sobre esta emoción concluyen  que la elevación se activa por el estímulo de nuestro nervio vago, el único nervio que comienza en el tronco cerebral y se extiende hasta debajo de la cabeza, el cuello, el pecho y el abdomen, donde contribuye a la inervación de la vísceras.  Al activarse este nervio experimentamos un sentimiento visceral de propagación, de calor líquido en el pecho, de nudo en la garganta.

El nervio vago ciertamente explicaría lo que sentimos al ver una escena de este tipo en una película, una sensación más física que mental. En ocasiones cuando se nos pregunta “¿Por qué te fascinó tanto esta película o aquella escena?” respondemos de maneras parecidas: “porque me estremeció todo el cuerpo”, “porque me puso la piel de gallina”, “un nudo en la garganta”, “un hormigueo por todo el cuerpo”,”un cosquilleo en la nuca” .Reacciones mas relacionadas con lo físico que con lo cerebral y reflexivo.
Los estudios también concluyen que esta emoción se experimenta con más fuerza cuando estamos en un grupo que de manera individual. Una observación importante que nos ayuda a explicar por qué sentimos más nítidas nuestras emociones en una sala de cine que cuando estamos viendo un DVD en casa. En un nivel profundo, somos parte de un grupo que tiene una experiencia compartida.

Proponemos a continuación 6 grandes escenas del cine, ejemplos magníficos de la elevación en circunstancias completamente diferentes pero que al verlas siempre nos estremecen al ser testigos de acciones bellas que nos conmueven y nos inspiran.

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“Fresas salvajes es un canto onírico, imperfecto y maravilloso a la soledad que anida en la raíz del ser humano. Es un autorretrato del hijo a través del padre (acaso la forma más íntima de retratarse, la más sincera). Es una búsqueda perpetua e imposible. La infancia en la vejez.”

Extracto de comentario de Servadac en Filmaffinity.

Sueña que se pierde en la calle, todo son casas en ruinas, todo está vacío. Se encuentra a alguien de espaldas, pero cuando le ve, no tiene rostro, casi resulta ser un muñeco de trapo. Suenan campanadas, pasa un coche de caballos, y sin más, empieza a chocar con una farola. Todo se rompe, y de dentro, sale un ataúd. ¿Quién está dentro? Es él, el propio profesor Isaac, viéndose a sí mismo. ¿Se augura así su propia muerte?
Cuando Isaac, un doctor septuagenario que lleva 50 años ejerciendo como médico, despierta de esta pesadilla sin sentido, pero llena de capacidad de revolver y recrear su sentir, se pasea por su enorme casa. Las agujas del reloj suenan al moverse en medio de un silencio nocturno y sonoro. En su casa sólo se encuentra él y la “sirvienta”, con la que mantiene después de muchos años una relación cercana, pero fría y malhumorada.
Hoy es el día en que Isaac se prepara para acudir a su celebración en su 50 aniversario como doctor. Para ello, decide emprender un trayecto en coche, en la incómoda compañía de su nuera. Este corto viaje en coche se convertirá en el camino más intenso y surrealista de su vida.
Todo parece estar hilado en este camino de sueños y verdades. La nuera le confiesa su visión de viejo egoísta, ésa es la razón por la que su propio hijo ya casi no le habla. En un descanso, hacen una parada en el lugar donde Isaac pasaba sus vacaciones de pequeño, el sitio de las fresas. “En tal apacible lugar, es normal que mi mente volase hasta las imágenes de mi niñez”. Así funciona la memoria. Y en este vuelo, en un delirio, vislumbra a su prima, a su primer amor, la casa, las voces, su primer dolor… reminiscencias de repente tan vívidas, que se encuentra con el vacío y la tristeza del recuerdo, la nostalgia de lo que ya no está, pero sigue presente de esta forma.
En otra parada, Isaac va a visitar a su madre. Allí también parece a su edad vivir de los recuerdos materiales, las fotos, los trastos. Y vemos cómo ella como madre le ha transmitido a su hijo la frialdad ante la vida y ante las personas.
A lo largo de la película, Bergman retratará en conversaciones y en sueños, en fantasías, la eterna preocupación del ser humano por la muerte, ese miedo a lo absurdo de una vida que dejará de tener sentido al llegar de cualquier manera un final por medio de la muerte.
Los fantasmas siguen persiguiendo a Isaac, atascado en su pasado, y ahora más que nunca, se burlan de él. En sus sueños, él parece ya no entender, no ver bien, ya no sabe ejercer como médico. Ha perdido todas sus facultades. Y los propios fantasmas le revelan su virtud de egoísta, insensible e incompetente. Pesadilla tras pesadilla, ve cómo su mujer ya fallecida, recobra la vida y de la misma forma, recobra la infidelidad con otro hombre, como en la realidad ocurrió, se burla de él y de su condición de témpano impasible.
Mientras tanto, un hombre le está examinando y juzgando lo que fue. “Todo se ha ido. Todo es silencio. Una obra maestra de cirugía, todo ha quedado extirpado”. Isaac le dice ante esto “Pero, ¿a qué pena se me condena?”. “A la de siempre, a la soledad”, le responde el gran juez.

En su despertar, Isaac siente que está muerto aunque en realidad siga vivo. Se va dando cuenta de que no le gusta cómo ha sido, y que a lo mejor ya no tiene tiempo para cambiar y para poder evitar haberle enseñado lo mismo a su hijo. Sin embargo, aceptar la muerte no quiere decir tener que renunciar a la vida. Por otro lado, recurrir al pasado para estar más tranquilos, como hace cada noche Isaac con su niñez, representa en realidad un presente no aceptado y por ello, una necesidad de otros tiempos donde al menos una parte importante de nosotros, era plena. Esta nostalgia del pasado, impide poder avanzar completamente. Isaac se atascó en dos experiencias dolorosas del ayer, no las consiguió aceptar. Y esta historia es la que marcó en una gran medida su personalidad, su frialdad con las personas, su preferencia por el éxito profesional ajeno a cualquier calidez humana.
La gente le ha apreciado a pesar de todo, y él se ha negado a quererlo así, le ha dado la espalda a esta forma de ser y de vivir la vida, y la soledad le carcome en forma de miedo y cercanía. Pero este recorrido delirante a través de los recuerdos evocados por tantos elementos físicos y oníricos, junto con personajes clave que le acompañan en el coche, le llevarán a un intento de retomar la felicidad. Dejar de lado el todo o nada, y al menos a partir de ahora, ser de la forma que de verdad quiere ser, y abrir los ojos a lo que se nos ofrece: su primer posible nieto, una relación especial con la mujer que le ayuda en casa, su hijo y su nuera a los que redescubre, unos autoestopistas que lo consideran añorable, … Es su propia imaginación, su propia mente, la que se va asestando palos a sí mismo hasta despertarle en otro mundo.
Mi primera película de Ingmar Bergman, “Fresas Salvajes”, con quien he descubierto un psicologismo al parecer propio de él, y que, al menos en esta ocasión, nos da la oportunidad de, a través de tanto sueño y alucinación, revelar los temores del ser humano, pero ahora ponerles solución, la que Isaac decida elegir.

O.B.H.

FILMOTERAPIA

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Tras dos semanas dedicando nuestro blog a analizar grandes peliculs positivas en la filmoterapia, cambiamos completamente de registro y proponemos un film que se encuentra en las antipodas de la positividad, una historia dura, aspera,de gran crudeza emocional, Celebración es una magnifica  pelicula filmoterapeutica por su capacidad de sacar nuestras emociones mas profundas y negativas, por enfrentarnos a nuestros miedos afectivos y provocarnos  una intensa catarsis emocional.

Es el 60 cumpleaños de un padre de familia de la alta burguesía, y hace una fiesta en su mansión para celebrarlo. Muchos invitados acuden a la fiesta, entre ellos, sus 3 hijos. Christian es el mayor, parece el más responable, el más formal, y el que más lejos parece haber llegado para sus padres. Su hermana gemela  se ha suicidado unos meses antes. Elling, la hermana, es una persona nerviosa, que intenta aparentar que todo está bien. Y por último, Mikel, el hermano pequeño; se le ve inestable, inquieto, dominante, machista, violento e irrespetuoso, con todos menos con su padre, del que busca tristemente una aceptación que nunca tuvo. En general vemos una admiración, un respeto y un fondo de temor hacia su padre por parte de los 3 hijos.
La celebración se desarrolla a la perfección, en la línea de todas las celebraciones en casa de los Klingenfeldt. Hasta que Christian se levanta para hacer el discurso de cumpleaños y de rememoración de la muerte de su hermana, y entre sarcasmos y brindis destructivos, desentierra un secreto que toca de lleno a su padre. Pero a pesar del impacto y la barbaridad, todos ignoran sus palabras y la fiesta continúa.

Es la situación que acompaña la hipocresía, la falsedad y la formalidad en su extremo. Las familias que viven con esto, no pueden tener problemas, ni hacia dentro ni hacia fuera de la casa; se crea una felicidad como una muralla gruesa de cemento, perfecta, y que hace imposible llegar adentro. Es la barrera que forma la represión emocional, las frustraciones que acompañan a todos los personajes de esta familia, y que hasta puede ser la causa de una crueldad que casi pudiera parecer genética: la atracción por lo prohibido en su eje anómalo.
Pero a escondidas, el padre habla con Christian y le acusa de todos los problemas que tuvo en la infancia y en la juventud, sin darse cuenta de que en verdad se está acusando a sí mismo, como padre y ante su relación con sus hijos, a través de ese silencio impuesto, sumado a la falta de protección de una madre, encubierta sin embargo por un cariño que parece normal, por besos y abrazos naturales, pero medidos.
El discurso de la madre es la pieza clave de la estructura familiar que pudo ser distinta pero quedó como era. Es la palabra encubierta de la que hablábamos antes. Un amor por sus hijos con excepciones y condiciones, una admiración de sus caminos con “peros”, que dejan ver claramante que no fueron capaces de cumplir sus expectativas propias, de hacer y ser lo que ella como madre había planeado. Y la preferencia y/o miedo, que a veces no sabemos diferenciar, por su marido antes que por sus hijos. O quizás la falsa seguridad frente al cambio y el afrontamiento de una realidad que le incumbe.

Y aún así, la celebración sigue sin que haya razones suficientes y verdades para detenerla. Todos van cayendo de alguna forma, y el espectador va entrando en una nube de tensión y nervio densa, no fácil de controlar.
Así, vamos descubriendo más facetas de los hijos. Mikel, el claro reflejo de su padre, aunque ni siquiera vivió su infancia con él. Elling, prefiere ir de un lado a otro, no parar en un mismo sitio, para así no parar en su pasado. Y Christian, que hizo su vida lejos de la familia, de sus hermanos, y se convirtió en un hombre muy ocupado, sin tiempo para nada, ni siquiera para recordar.
Elegimos muchas veces esconder la realidad, ocuparnos para no pensar, para no afrontar y no tener que decidir. Otras veces ocurre de forma automática como medio de supervivencia de nuestro propio cuerpo. Pero de fondo vamos acumulando una alteración, oculta por y para nosotros. Y en este punto, un estímulo inesperado, puede provocar que este trauma que existe, visible o no, salga de la forma menos favorable para nuestro bienestar. En el caso que aquí vemos, no se trata ni siquiera de sentir miedo por una repetición de sucesos pasados, sino peor aún, acostumbrarse a la normalización de lo monstruoso, a no sentir “mucho” ante eso.

“Celebración” es una historia que gira alrededor de algo no presente, la hermana fallecida y su carta de despedida, pero que se convierte en el gran desencadenante que va palpando emociones muy duras. La cámara nos las enseña por primera vez, y así sucede con las personas que están ahí, esta familia toca y enseña estas emociones con una virginidad ya demasiado trastocada para poder manejar y poner en su sitio. Todo es perturbación.
La celebración acaba, todos duermen, y todo sigue, entre risas, en una sátira sin sentido, pero en realidad ¿de qué otra manera podría seguir si no es de ésta, si todo al final continúa?
Una película grabada con cámara en mano, que aprovecha el movimiento para jugar con las imágenes que acompañan el carácter nervioso e inestable de los hijos. Es el inicio del movimiento Dogma 95, que buscaba la verdad, el sentimiento profundo, por medio de esta forma de grabar, y en escenarios reales. Thomas Vinterberg consigue darnos una celebración cruda, tensa, al límite, y así apoderarse de las emociones más desagradables que el ser humano puede llegar a manejar.

O.B.H.

FILMOTERAPIA

kaliño (Filmaffinity) .Tomas Vinterberg, consigue crear una atmósfera afixiante en este crudo drama rodado según las reglas regidas por el manifiesto Dogma. La película se basa en un guión muy bien ensamblado por el maestro danés, y en la estupenda actuación de un reparto coral de actores daneses. La historia, al principio distante, te atrapa, y te ahoga hasta adentrarte en la mansión masónica, y consigue que hagas vivir el relato con emoción y cercanía. El uso de la cámara al hombro y el granulado de la fotografía aumentan el realismo, ya de por sí, implícito en el guión. Es una película muy recomendable para todos los gustos, para cualquier persona amante del buen cine actual. Disfrutad la película.

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“Amélie es mucho más que un bonito cuento. Amélie es ese mundo en el que todos desearíamos vivir.
Amélie es esa realidad donde los sentimientos más humanos se disfrazan de adorables personajes esperpénticos.
Amélie es ese deseo de repartir bondad que todos guardamos dentro, algo escondido.
Amélie son esos colores con los que quisiéramos pintar nuestra vida.
Amélie es amor multiplicado por mil.
Amélie es soñar, no dejar jamás de soñar, y creérselo.”

Belén (usuaria de filmaffinity)

Continuamos esta semana nuestro ciclo de películas positivas dentro de la filmoterapia y dedicamos hoy el post a una de la películas recientes mas representativas dentro de la filmoterapia por su positividad, votada entre las 25 películas mas filmoterapeuticas por nuestros lectores en enero, Amelie es un gran referente dentro del cine y la terapia por una serie de características que resumimos a continuación:

- Emociones positivas. Una historia que nos crea emociones agradables sin caer en el exceso o el sentimentalismo. Una fábula colorista, amable y original que consigue subir nuestro ánimo tras su visionado.

- Evolución de los personajes. Personajes que evolucionan a lo largo de la historia de manera equilibrada, sin dureza, sin finales amargos, sin consecuencias negativas. Nos sentimos identificados con las vidas de muchos de ellos y empatizamos fácilmente con sus vivencias

- Relaciones humanas. Una historia sobre la amistad y los vinculos emocionales.Y una historia de amor diferente con final feliz que deja un buen poso emocional.

- Fortalezas y felicidad. Y por último, Amelie nos habla de fortalezas y actitudes que influyen en nuestra felicidad. Fortalezas que la protagonista ya posee y practica como la creatividad y la imaginación. Y fortalezas presentes de manera potencial y que la protagonista desarrollará, aumentando sus niveles de felicidad de manera significativa. Una fortaleza que trataremos hoy en el post, el altruismo.

Amelie Poulain es una camarera parisina de clase media trabajadora. Es inocente, creativa e imaginativa, cualidades que le ayudaron a afrontar una infancia complicada y solitaria, pero a sus 23 años es momento de cambiar, su timidez e inseguridades le mantienen prisionera en una vida monótona y aburrida, tan solo parcheada por su enorme imaginación

Un día Amelie mira a través de una grieta en la pared de su baño y descubre una vieja caja de hojalata infantil dejada allí por un niño en 1957 y tiene una idea, “El 31 de agosto de 1997 a las 4 de la mañana Amelie decide buscar al dueño de la caja y devolvérselo. Si él se conmueve dedicará su vida a ayudar a los demás, sino, pues nada”. Esta clase de intento por cambiar su vida, aunque condicionado a factores externos, marca el comienzo de sus pensamientos y conductas altruistas. Amelie comienza a buscar al dueño y tras grandes esfuerzos consigue devolverle la caja. Al encontrarse con su cajita de infancia 40 años después, su dueño se emociona y se sorprende, prometiéndose a si mismo reencontrarse con su hija antes de que el acabe en su propia cajita. Tras asistir a esta experiencia Amelie experimenta un cambio drástico en su manera de concebir la vida “Amelie se siente en total armonía consigo misma…..un arrebato de amor, un deseo de ayudar a la humanidad le invade de repente”. Nuestro personaje cumple su promesa y comienza a desarrollar una serie de acciones altruistas. Y para poder dedicar tiempo a esta nueva misión en su vida deberá romper con sus rutinas diarias y buscar de forma deliberada oportunidades para hacer el bien a los demás. El proceso de cambio está en marcha.

Muchos de los personajes que rodean a Amelie están atascados en su vida, inmovilizados en una serie de rutinas que les impiden ver que esta ocurriendo en su interior o su exterior; las acciones de bondad de Amelie servirán como catalizadores que ayudarán a los demás a salir de sus círculos negativos. Amelie se convertirá por lo tanto en un agente de cambio que hace posible a los demás aumentar y mejorar su conciencia, disfrute, significado y niveles de felicidad.

Su creatividad e imaginación le aportan originales maneras de ser bondadosa, con su familia, con sus compañeros del bar,con extranjeros, con vecinos. Por ejemplo, el padre de Amelie está deprimido y recluido desde la muerte de su madre años atrás, hundido tan profundamente en sus pensamientos y en su interior que no es capaz de vivir su vida, Amelie decide robarle el gnomo de jardín y dárselo a una amiga azafata para que le haga fotos en diferentes ciudades alrededor del mundo y se las envíe de forma anónima por carta, todo para inspirarle a viajar y a cambiar su vida. Amelie también juega a celestina, desbloquea un proceso de duelo de una mujer o aumenta las ganas de vivir de un anciano. Incluso demuestra una serie de valores y principios en defensa de un chico discapacitado, dependiente de una frutería quien es siempre puesto en ridículo por su jefe autoritario y antipático.

Después de todos estos comportamientos desinteresados hacia los demás Amelie comienza a darse cuenta (con la ayuda de su vecino, “el hombre de cristal”) que no se ha dedicado nada a cuidarse a ella misma.

Poco a poco irá siendo también generosa y altruista consigo mismo, y poco a poco también irá enamorándose de un hombre. Su generosidad hacia los demás le ayudará a vencer su timidez, su miedo a enfrentarse ante lo desconocido y su inseguridad. Pronto comenzará a asumir riesgos en su vida, por ejemplo en el amor.

A partir de todos estos cambios dentro de Amelie, podríamos preguntarnos, ¿es feliz Amelie?¿ Ha aumentado nuestra protagonista su felicidad por ser mas altruista? En el film esta cuestión no se plantea en ningún momento de forma directa, pero es fácil contestar a ambas preguntas con un rotundo SI.

Según las ultimas investigaciones, existen tres factores primarios que influencian los niveles de felicidad de una persona, factores genéticos, circunstancias externas (demográficas, geográficas, educacionales, culturales…)y actividades intencionales (por ejemplo actitudes, pensamientos, comportamientos o aspectos motivacionales que la persona adopta en su vida).

Según estos estudios los tres factores representarían respectivamente el 50%, 10% y 40% del nivel de felicidad de un individuo. Partiendo que la felicidad de Amelie depende en un 40% en sus actividades intencionadas (por ejemplo, su decisión consciente de practicar regularmente actos bondadosos de manera creativa, o de sus actos altruistas) , no es ninguna sorpresa observar como estos comportamientos conllevan una serie de beneficios positivos en su vida, una especie de bola de nieve positiva que conecta todas sus areas de felicidad en lo que se denomina “un ciclo autogenerador de cambios positivos”.

zelmarux(filmaffinity).

“Felicidad es la palabra que mejor describe a esta película. Felicidad es un estado de gracia individual y personal que ya sabemos que lamentablemente es breve. Pero pareciera ser que en este caso fue un estado colectivo que aglutinó las capacidades creativas de director, guionista, actores, músicos, fotógrafos, diseñadores, etc, etc. Y el resultado es que cuando nos sumergimos en el mundo de Amelie, compartimos ese estado y somos felices por 120 minutos. Otra palabra que define esta joyita es: originalidad. Nada es convencional en esta obra, pero no porque se busque la ruptura, la provocación (que no está mal en sí mismo), sino porque simplemente la felicidad y la ternura se apropiaron de esta película, y no la sueltan nunca. Por suerte. Y por suerte podemos conservar “Amelie” en nuestra casa y volver a verla cuantas veces querramos.”

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Esta semana vamos a enumerar una serie de películas que están creadas para ser un pequeño impulso y que nos dejan el cuerpo y la mente con energías renovadas.

Como un viaje de relajación, de desconexión, de buen rato y de nuevas perspectivas para nuestra mira interna, estas películas suponen un tiempo para concedernos descanso mental, y al mismo tiempo, un ejercicio de visualización positiva a través de imágenes que nos dan facilidad a la hora de vernos en nuevas situaciones, a la hora de afrontar cambios. En definitiva, nos proporcionan una vista agradable y motivadora. No son necesariamente comedias, sino que pueden ser dramas acompañados de optimismo y alegría.

Los viajes, las bandas sonoras, las relaciones como algo nuevo o como redescubrimiento, son recursos que ayudan a aumentar estas buenas sensaciones, por el hecho de que en la vida misma son los mejores anclajes.

MIS PELÍCULAS POSITIVAS por OBH

“Entre copas” (Sideways), Alexander Payne, 2004 (Estados Unidos)

Una buena exaltación de la amistad contagiosa en todos sus sentidos. Y por ello, acrecentado por un viaje a través de un paisaje atrayente y envidiable, “Entre copas” es además un refuerzo a los intentos de superar, aceptar y mejorar los puntos débiles que nos acompañan, o aparecen de pronto, a lo largo de nuestra existencia.

Sinopsis: Dos viejos amigos se embarcan en un viaje por carretera probando vinos… sólo para cambiar de rumbo vertiginosamente y entrar en una irónica exploración de las vicisitudes del amor y la amistad, de la repudiable persistencia de la soledad y de la imperecedera guerra entre el Pinot y el Cabernet. Los contratiempos empiezan cuando Miles, un divorciado traumatizado con su experiencia sentimental, al que le gustaría ser novelista y que presenta una fijación por el vino, decide agasajar a Jack, su colega de la universidad y actor fracasado, con un viaje festivo a los viñedos del bucólico valle de Santa Ynez… la semana antes de que Jack contraiga matrimonio.
Los dos no podrían formar una pareja mas extraña: Jack es un seductor demasiado sexual; Miles es un desgraciado aprensivo.

“Pequeña Miss Sunshine”, Jonathan Dayton y Valerie Faris, 2006 (Estados Unidos)

En este caso, el ánimo de la película lo aporta una familia, cada miembro que la forma, que tras una aparente caótica formación, sorprenden con una igual de caótica cohesión y amor grupal.

Sinopsis: Los Hoover son una familia conflictiva: el abuelo esnifa cocaína y suelta palabrotas, el padre da cursos sobre el éxito con estrepitoso fracaso, la madre no da abasto, el tío se recupera de un suicidio frustrado al ser abandonado por su novio, el hijo adolescente lee a Nietzsche y se niega a hablar, y la hija pequeña, Olive, gafotas y ligeramente gordinflona, quiere ser una belleza. Cuando un golpe de suerte lleva a Olive a ser invitada a participar en el muy competitivo concurso de ‘Pequeña Miss Sunshine’ en California, toda la familia Hoover se reúne para ir con ella. Se apilan en su oxidada furgoneta Volkswagen y se dirigen hacia el Oeste en un trágicómico periplo de tres días lleno de locas sorpresas que les lleva al gran debut de Olive, el cual cambiará a esta familia de inadaptados de una forma que nunca hubieran

imaginado.

“El próximo año a la misma hora”, Robert Mulligan, 1978 (Estados Unidos)

Contagiadora de vitalidad y de nuevas emociones. Descubrimos actitudes que muchos no sospecharíamos encontrarnos, pero que acaban siendo aceptadas y deseadas.

Sinopsis: Un hombre y una mujer se conocen por casualidad en un romántico hotel durante una cena. Aunque ambos están casados, aparecen juntos en la cama al día siguiente preguntándose qué les pudo pasar. A pesar de todo, quedan para el año siguiente en el mismo sitio para el mismo fin de semana. Adaptación cinematográfica de un previo éxito de Broadway.

“Mi vecino Totoro”, Hayao Miyazaki, 1988 (Japón)

Una película de animación tierna, afable y llena de gestos de humor que cubren momentos de tristeza normalizada.

Sinopsis: Relata la historia de una familia japonesa que se traslada al campo, en los años 50. Las dos hijas, Satsuki y Mei, tropiezan con un espíritu del bosque: Totoro, con el que entablan amistad. El padre es un profesor universitario que aviva la imaginación de sus hijas con fábulas e historias mágicas sobre duendes, fantasmas y espíritus protectores de los hogares, mientras la madre se encuentra enferma en el hospital.

“Italiano para principiantes”, Lone Scherfig, 2000 (Dinamarca)

Una idea a la que muchas personas han llegado alguna vez. La necesidad de cambiar de círculo, o de conocer gente nueva para empezar a la vez con un nuevo estado de ánimo y una nueva mentalidad.

Sinopsis: Un curso de italiano une a seis personajes daneses con problemas sentimentales y de comunicación…. Andreas, un joven sacerdote, llega a su nueva parroquia en un pequeño barrio de Copenhage para reemplazar a Wredmann, un cura enfrentado con los feligreses que no le pondrá las cosas fáciles. De momento se aloja en un hotel cercano, donde conoce a Jørgen, un tímido conserje que debe despedir a su amigo de la infancia, Hal-Finn. Para aprovechar las noches, Andreas se apunta a un curso nocturno de italiano, donde conoce a Olympia, una ayudante de pastelería amiga de Karen, peluquera. Todos coincidirán en las clases, mientras el ambiente latino (favorecido por la presencia de la italiana Giulia) comienza a hacer mella y los enredos pasionales se suceden

“Elsa& Fred”, Marcos Carnevale, 2005 (Argentina)

Una visión colorista de la edad más adulta de todas, pero que en este film representa la etapa más viva. Rompemos prejuicios sobre la vejez y su estilo de afrontamiento.

Sinopsis: Elsa tiene 82 años, 60 de los cuales vivió soñando un momento que ya había sido soñado por Fellini: la escena de La dolce vita en la Fontana di Trevi. Alfredo es un poco más joven, y siempre fue un hombre de bien que cumplió con su deber. Al quedar viudo, desconcertado y angustiado por la ausencia de su mujer, su hija le insta a mudarse a un apartamento más pequeño, donde conoce a Elsa. A partir de este momento, todo se transforma. Elsa irrumpe en su vida como un torbellino dispuesta a demostrarle que el tiempo que le queda de vida es precioso y puede disfrutarlo como le plazca.

“Cuento de verano”, Éric Rohmer, 1995 (Francia)

Una sencilla historia de verano en la playa que narra los días que pasan allí unos jóvenes con unas ideas muy concretas de vacaciones. Descubrirán en su espera la vida misma. Nos deja las emociones a flor de piel.

Sinopsis: Nuevo cuento de las “cuatro estaciones” de Rohmer. El joven Gaspard llega de vacaciones al balneario francés de Dinard. Su idea es encontrarse allí con Lena, la muchacha que lo tiene loco. Pero en esos días soleados y calmos conoce a otra chica, una morena atractiva y sensual que le sugiere nuevos rumbos a su corazón. Sin embargo, tal vez la respuesta no esté en ella, sino en Margot, la dulce camarera con la que Gaspard hace amistad sin darse cuenta.

“Luna de papel”, Peter Bogdanovich, 1973 (Estados Unidos)

Dos personajes, parece que opuestos, también indispensables ambos los dos para darnos esta película socarrona y entrañable, que nos hace sonreír y encariñarnos con ellos, sea lo que sea que tramen. Juntos se acompañan en una soledad ligeramente dramática, suavizada y complementada por su encuentro casual y su compañía.

Sinopsis: Durante los años de la Gran Depresión un estafador de poca monta, que intenta vender biblias a las viudas, hace amistad con una niña, y juntos se meterán en varios aprietos.

“La boda del monzón”, Mira Nair, 2001 (India)

Las narraciones paralelas son una buena forma para sacar todo el jugo a una sinopsis loca y simpática como es la de “La boda del monzón”. Música, escenas y personajes geniales y perfectamente combinados.

Sinopsis: Los preparativos de una elegante boda en Nueva Delhi que durará cuatro días mostrará los conflictos que se viven en la sociedad india entre generaciones partidarias de seguir las tradiciones y otras defensoras de la modernidad. En “Monsoon Wedding” se entretejen o corren paralelas varias narraciones; la principal trata de Lalit Verma y su mujer Pimmi, a quienes la boda concertada -que sigue siendo típica en India - de su hija les lleva al borde de un ataque de nervios… y de la quiebra. Las diversas historias comienzan a correr conforme van llegando a Nueva Delhi los parientes repartidos por todo el globo terráqueo.

“Bienvenidos al norte”, Dany Boon, 2008 (Francia)

Sin ser una especialmente gran película, “Bienvenidos al norte” sabe utilizar el humor oportuno para demostrar que son ellos los personajes los que hacen el lugar, y no necesariamente al revés. Da ganas de cambiar, de mejorar y de conocer sitios nuevos con su gente.

Sinopsis: Phillippe Abrams (Kad Merad) es un cartero al que destinan, en contra de su voluntad, a Bergues, un pueblecito junto a la frontera con Bélgica. Phillippe piensa que va a ser un sitio horrible, cuyos habitantes, según su opinión, mascullarán una lengua ininteligible (de ahí vendría ‘Ch’tis’). Cuando llega allí, descubre que es un lugar idílico, con habitantes encantadores. De todas formas, a su mujer (Zoé Félix), de la que está distanciado, y que vive en su localidad de origen, le asegura que vive en un auténtico infierno, con el fin de despertar su compasión. Lo consigue hasta el día en que ella anuncia que va a acudir a visitarle. A Abrams no le queda más remedio que pedirles a sus nuevos amigos y vecinos que interpreten la farsa que le ha contado a su mujer, y que se comporten de forma tosca… Obtuvo un enorme éxito de taquilla en Francia: +110 millones de euros, además de otros récordos como ser la cinta francesa más taquillera de la historia en Bélgica.

O.B.H.

Filmoterapia

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