FILMOTERAPIA

Continuamos esta semana con otros dos refrescantes cortometrajes de animación, de corta duración pero de una gran intensidad filmoterapeutica, perfectos para esta época del año. Dos ganadores del oscar al mejor cortometraje, Harvey Krumpet (22 minutos de duración), ganadora en el  2003. Y Padre e hija (8 minutos de duración), ganadora en el  2000.

Que lo disfruten

HARVEY KRUMPET, Australia (2003)

Cuando pensamos en la superación personal enseguida nos vienen a la mente imágenes como la de un campeón olímpico, una empresario con éxito, la lucha contra una enfermedad mortal o la superación de un grave infortunio, pero la superación personal no tiene porque ser llegar a metas grandiosas, realizar escaladas inverosímiles o acometer actos admirables. La superación personal también puede ser conseguir tener una vida corriente, una vida que todos dan por supuesta pero que en ocasiones su realización exige más vitalidad y ganas de vivir que muchas acciones que podamos emprender.

Tener un trabajo, un sueldo digno, conocer a alguien, disfrutar de pequeños placeres, convivir con algún déficit, formar una familia. Son aspectos que hoy en día consideramos como básicos en nuestras vidas, no los saboreamos ni los disfrutamos porque es lo que debemos hacer y tener, luego quizás seamos felices, pero en Harvey Krumpet nos demuestra en el cortometraje que vivir la vida, por muy normalita y simple que sea es también superarse y triunfar en la vida. Muchas personas creen que su felicidad está determinado por extraordinarios logros en vida y cuanto mas logros mas felicidad, pero Harvey Krumpet nos confirma lo contrario, cuando una persona mayor mira hacia atrás en su vida, habitualmente encuentra que la satisfacción que recibió de las relaciones y del modo en que vivió fue mucho mas importante de lo que hizo y consiguió. Por eso nuestro mayor éxito en la vida, nuestra mayor superación personal quizás sea aprender a vivir, a vivir la vida, a vivir nuestra vida.

Filmoterapia

“Este cortometraje es un homenaje a todos aquellos que lejos de cargar únicamente con sus propias dificultades asumen con ilusión las de otros a cambio de su amor y cariño. Harvie Krumpet es un canto a la vida y a la lucha por la dignidad de las personas, un reclamo para todos aquellos que no son capaces de alzar su propia bandera (Harvie optará por el nudismo y la defensa de los derechos de los animales, así como por un filantrópico estilo de vida donde su principal interés, queriendo o sin querer, será su entorno próximo). Adam Elliot consigue una lograda historia que además de encomiable en lo técnico explora muchos de los problemas sociales y políticos del siglo XX y, por supuesto, XXI. En cierto sentido nos encontramos una crítica frente a la pérdida de los lazos familiares en medio de un mundo globalizado y exigente*, el drama de la pérdida de raíces a causa de las catástrofes bélicas**, los bienes que nos reporta el vivir como un niño consciente hasta cierto punto de las responsabilidades: ese es el verdadero superhombre, aquel que nunca se olvida de cómo jugar, de disfrutar de los pequeños placeres de la vida que bien pueden ser cualquier bocanada de aíre fresco o el simple momento en que acariciamos la cama para irnos a dormir. Hay reflexiones en torno a la propia eutanasia***. Un film completísimo que tan sólo dura 22 minutos. Yo casi diría que es un auténtico milagro el modo en que queda perfilada la personalidad de este entrañable Harvie Krumpet, al cual es imposible no querer”(Crítica de Davilochi(Filmaffinity))

PADRE E HIJA, Holanda (2000)

“La muerte se lleva todo lo que no fue pero nosotros nos quedamos con lo que tuvimos” (Rabino Mario Rojzman)

Padre e hija es un corto que con una hermosa melancolía nos habla sobre la vida, sobre los recuerdos de las personas que añoramos y que ya no están con nosotros. Caminamos nuestro camino en vida, muchas veces solos y muchas otras acompañados, y en algún punto de nuestro camino alguien quien nos acompaña, alguien a quien tanto amamos se va, muere, desaparece de nuestras vidas, Seguimos con nuestra existencia pero de vez en cuando nos gusta volver a aquel punto en aquel sendero en donde esta persona desapareció y recordarlo, esperarlo en nuestra memoria, sintiendo que si así lo hacemos volverá con nosotros , aunque sea en nuestros sentimientos y emociones. Recordar al que ya no está es necesario para una vida plena, es parte del proceso del duelo. Superar con éxito el duelo por la muerte de un ser querido no es olvidar, es aceptar que ya no está, es aceptar lo que hemos vivido juntos, es aceptar que está en nuestra memoria, es aceptar al fin y al cabo a convivir con nuestro pasado y nuestro presente.

Filmoterapia

“¿Cómo es posible que cuatro trazos sobre el papel, levemente esbozados, expresen tanta humanidad? Sin palabras, sin apenas gestos. Personajes que parecen sombras.

Padre e hija es la historia de una despedida. Un padre que tiene que partir, tal vez para siempre, pero su hija no pierde la esperanza de volver a verlo, y por eso acude puntualmente a la cita, todos los meses, todos los años, mientras crece, forma su familia y mira con melancolía el horizonte. Envejece, pero el deseo de su corazón de niña nunca se desvanece.

Perfecto en su argumento, en la técnica de animación, en la música, en los colores, Dudok De Wit conjuga sensibilidad, cariño, sencillez, congoja, tibieza, nostalgia y melancolía en 8 minutos y 15 segundos. Infinidad de detalles que descubrir y observar.“(Crítica de Helen (Filmaffinity))

Esta semana vamos a presentaros 2 cortometrajes de animación muy especiales para esta parte de nuestro verano europeo, un post filmoterapéutico a modo de refrigerio.

LA MAISON EN PETITS CUBES (Kunio Katô, 2008)

Ganador al Oscar por mejor cortometraje de animación en el 2008, La Maison en petits cubes es un corto encantador y melancólico sobre un hombre mayor que vive solo en una casita en medio del mar. El nivel del agua vuelve a subir, y una vez más, el tejado le servirá como cimiento para levantar una nueva casa. En sus rutinas solitarias, siempre con su pipa en la boca, cada uno de estos hábitos llegan al grado de ser espirituales, sin ellos su vida casi se tambalea. El día que se le cae su preciada pipa al agua, intenta sustituirla por otras, pero todo el valor sentimental hace que decida emprender un viaje al fondo del mar que se convertirá en un recorrido por sus recuerdos, por su pasado, por su memoria. Cada “cubo” era una casa, una habitación, construida tras otra subida del nivel del agua, y en cada una había una imagen y su evocación. Su nieto, la boda de su hija, el nacimiento, su vida en familia, el amor a su mujer, su infancia.

Se diluyen aquí dos planteamientos, el no avanzar por no abandonar recuerdos, que en verdad alimentan su vida y su memoria; y el negarse a formar parte del todo de una sociedad, que bien podría ser positivo en su sentido evolutivo, pero podría también suponer una pérdida de identidad dentro de ese todo.

Acompañado de una melodía en piano y cuerda que parece salida de una cajita de música (Kenji Kondo, el compositor de videojuegos como Super Mario Bros), y compuesto por imágenes “en óleo”, sin necesidad de diálogo alguno, este corto es un homenaje a muchas realidades. Bajo una fuerte línea de la otra cara del “modernismo”, la subida del nivel del mar, y el intento de mantener lo tradicional, vemos también la soledad, la negación a lo nuevo, el apego a los recuerdos físicos,… y la idea de cerrar un ciclo vital completo donde tuvo lugar el inicio de otros nuevos.

“No hay quejas, causas, culpables ni soluciones. El protagonista se adapta a las circunstancias, arrojarse al desencanto y desesperanza no le devolverá a sus seres queridos. La riqueza ancestral lo mantiene en pie y lo conmina a seguir adelante ante cualquier adversidad. Al final, basta con tabaco, vino, cubiertos y mesa para dos, todo frente al ocaso de otro día más en el mundo de cada quien. ¡Un brindis y que haya suerte!”

SKHIZEIN (Jérémy Clapin, 2008)

“Skhizein” es una palabra griega que viene a significar algo así como “separar” o “dividir”. Así mismo, la raíz de la palabra procede de schizophrenia (es decir, esquizofrenia).

Muy diferente al anterior en colores, historia y evolución, Skhizein nos habla de un hombre joven, Henry, que también vive solo. Un día le cae un meteorito al asomarse por la ventana y a partir de ahí empieza un fenómeno paranormal que es vivir a 91 centímetros exactos de su cuerpo. Tendrá que adaptar su casa, su estilo de vida, su trabajo, a estos 91 centímetros que le separan de la realidad. Henry acude a psicólogos, va al encuentro del meteorito para volver a la normalidad, pero nada mejora.

Entre un humor oscuro, y un acercamiento a la impotencia que a Henry le atrapa, Skhizein está, como el personaje, entre la realidad y su separación. Deja ver la historia al completo, pero no juzga, no da paso directo a su versión real, y como dice el propio director, “¿y si la locura se midiese en centímetros?”.

“Un estudio de 14 minutos sobre el existencialismo, y un profundo comentario sobre la despersonalización (…) Es una película impresionante, cada vez más según avanzan los minutos.” (Amy Biancolli: Houston Chronicle)

“(…)¿Esto se podría dar en la vida real? Claro. Una persona que se siente fuera de si, que esta desconectada o que simplemente no encontró el rumbo. Hay personas que buscan caminos alternativos para llegar al mismo lugar y eso a veces trae mayores inconvenientes. Ademas en numerosos casos son tan incomprendidos como el muchacho en cuestión. Incluso profesionales o gente de relevancia pueden juzgar como incoherentes o mal interpretar determinadas decisiones. Como en la mayoría de las cosas que importan de la vida, se trata de ir mas allá, de atravesar barreras. “(fadmonkeys.com.ar)

¿Qué tienen en común películas como “Flores rotas”, “Lost in Translation”, “Fantástico Sr. Fox”, “American Beauty”, “Hannah y sus hermanas”…? Todas ellas sitúan a protagonistas a una edad determinada, más allá de los 30 años, en busca de algo en sus vidas. Algunos buscan algo muy concreto, otros van variando a ver si encuentran algo que pueda ser justamente lo que buscan; pero todos ellos buscan de fondo un cambio en sus trayectos, en sus perspectivas para tomar así un camino de nuevas tonalidades en su concepto de felicidad.
De todas ellas, hemos elegido para comentar en Filmoterapia “Hannah y sus hermanas”, llevada por “el maestro de las crisis”, Woody Allen, es una buena muestra para el post de hoy; las historias de los personajes se van entremezclando a través de diálogos, reflexiones, citas y casualidades, dando lugar a un film de gran riqueza en la humanidad que presenta, tanto en su debilidad como en su fortaleza.

Tres hermanas ya adultas comparten sus devenires, sus pequeñas tragedias, sus logros. Cada una es diferente de la otra. La mayor, Hannah, es la responsable, la personalidad cuidadora, maternalista, aparentemente sin problemas ni preocupaciones, divorciada pero nuevamente casada en un matrimonio parece que feliz, con sus 4 hijos adoptados y un trabajo estable y pleno a nivel artístico.
Lee, la hermana pequeña; al igual que Holly, la mediana, busca realizarse a través de una creatividad dispersa y desconocida. Ambas tienen en común un pasado de adicciones, y ahora toman rumbo hacia la estabilidad y la transformación.(Ver video)

Maridos y ex-maridos son en esta película los personajes secundarios que fluctúan en la realidad de las tres hermanas, con lo que pasan a ser motivos principales en la trama del film.
Todos están se encuentran en un momento limítrofe, se alejan de su juventud biológica, pero también cultural, y se acercan un poco más a la vejez. De ahí vendrá una de las más fuertes razones para esa necesidad de cambio. Se ha estudiado que la llamada crisis de la mediana edad no es un proceso vital ya prefijado, sino que el hecho de que se dé o no, dependerá de muchos más factores, entre otros, la personalidad y el pasado, y a veces, simplemente coincide con las circunstancias. Las crisis se pueden dar a cualquier edad, cada vez que se acaba o comienza algo nuevo, hay algo que se remueve por dentro, el miedo y la atracción por lo desconocido. A día de hoy, tan guiados y encaminados ciegamente como estamos, sin la brújula interior, es comprensible que se dé una ocasión, la edad, un hecho, algo, que hace que nos planteemos qué hacemos, qué hemos hecho y a dónde vamos, ¿es ése el desarrollo y el nivel de felicidad, de nuestra idea de felicidad, que verdaderamente buscábamos? En este sobresalto, nos preguntamos además si nos queda tiempo para hacer cambios, y si hay personas que sería mejor mover a nivel interpersonal para alcanzar nuestros nuevos objetivos.
Dentro de esta heterogeneidad, Woody Allen parece presentarnos a dos estilos de persona:
- Los inestables: Lee, Holly y el mismo Woody Allen representando a Micky, el exmarido de Hannah, un completo hipocondríaco (Ver video)

- Los aparentemente estables y realizados: Hannah y su marido Elliot.
Y esta variedad de personajes seguirán un proceso similar ante este sobresalto, desde la reflexión y la aceptación de la vida y los límites que les ha tocado, de quiénes han sido, hasta la reorganización de sus ideas y sus sueños sobre hacia dónde quieren ir, de qué forma llegarán a realizarse, y cómo llegar al cambio. Lee, en su ingenuidad, y Elliot, en su negación de hacerse mayor, coquetearán fuera de sus respectivas relaciones, y así encontrarán sus emociones más sinceras(ver video).

Holly probará nuevas experiencias laborales antes de llegar a su realización creativa. Micky tendrá que llegar a una verdadera crisis hipocondríaca que le hará plantearse todo el sentido de existir, y sólo podrá calmarse reconociendo los pequeños placeres, incluido el placer de estar vivo. Y Hannah necesitará de sus hermanas y de su marido para destapar la máscara de la mujer perfecta que tanto peso le hacía cargar.
Es éste el momento justo, cuando nos encontramos con nosotros, con la satisfacción y con los sueños, cuando se genera nuestra mejor cara y nos dejamos conocer a aquéllos que percibimos en un punto parecido al nuestro.

La película hilvana episodios de las vidas entrecruzadas de los personajes, que bajo una apriencia de sosiego y normalidad, ocultan insatisfacciones, frustraciones, desarraigos y amarguras. Se plantean interrogantes sobre la vida, la muerte, el dolor, la enfermedad, la fidelidad, los hijos, la religión y las grandes tragedias de la Humanidad (Auschwitz, Gestapo, nazismo). Micky apoya su reflexión en las aportaciones de grandes pensadores, como Nietzsche, Sócrates (corruptor de menores); científicos (Freud y sus discípulos); creadores literarios, como Tolstoi (”La única cereteza absoluta a la que puede llegar el hombre es que la vida no tiene sentido”). Extracto de crítica de Miquel en Filmaffinity.

Cuando pensamos en individuos creativos siempre nos vienen a la mente personajes como Picasso, Beethoven o Ferrán AdriÁ. Pero la creatividad no solo se demuestra en creaciones artísticas de gran nivel, también puede ser trasladada al día a día, a situaciones críticas  en nuestras vidas que pueden combatirse y superarse gracias a esta gran fortaleza.

Si la semana pasada nos centrábamos en la creatividad de un pianista genial en la película Shine, comentamos en el post de hoy el personaje de Guido Orefice (Roberto Benigni) en La vida es bella, un individuo creativo en su día a día, capaz incluso de afrontar situaciones muy graves con enorme eficiencia gracias a su  gran creatividad e imaginación.

Ambientada en la Italia del fascismo y la guerra mundial, podríamos dividir la película en dos partes diferenciadas, las escenas pre- campo de concentración y las del campo de concentración. Cada una de las dos partes contiene diferentes variaciones de una historia de amor. En la primera parte Guido corteja a Dora, en la segunda protege a su hijo Giosué, siendo  la creatividad de Guido el eje central de las dos historias, una fortaleza que estimulará el amor y el sentido del humor en ambas partes.

Ya al comienzo de la película su amigo poeta aporta a Guido la sabiduría para seguir adelante durante toda la historia: “Schopenauer dice que con la voluntad se puede ser todo. Yo soy lo que quiero”.Una frase que describe la intención de Guido, y una inspiración que conduce su creatividad y su determinación a afrontar todo lo que el futuro le depare.

En la primera parte de la película la creatividad de Guido esta plenamente presente (resuelve adivinanzas que un eminente físico tarda semanas, se burla del racismo dando una excéntrica charla sobre las razas en una escuela de élite, o liga con Dora improvisando “encuentros espontáneos” con ella). En situaciones estresantes, mientras que muchas personas estarían devastadas o angustiadas Guido aprovecha los estresores de manera productiva y consigue sacar partido de ello. Por ejemplo, tras encontrar  el caballo de su tio  pintado de verde con alusiones racistas y antisemitas, rápidamente Guido lo utilizará para entrar en una sala lleno de fascistas, burlarse de ellos y animar de paso a Dora a escaparse con el.

En la segunda parte de la película Guido se enfrenta a obstáculos mucho mas graves, que amenazan su vida y que le obligarán a utilizar su creatividad al máximo para mantener a sus hijo vivo y que este sea capaz de aguantar las difíciles situaciones que les esperan. La fortaleza de Guido es evidente en el sentido en que se vuelve entusiasta y excitado ante situaciones extremas solo para que su hijo no viva la enorme preocupación que Guido siente ante lo que ocurre. Por ejemplo, mientras Guido, su tío y su hijo son transportados al tren que les llevará al campo de concentración, Guido rápidamente analiza la situación y disipa la confusión de su hijo, contándole que todo esto ha sido programado por él, para celebrar por todo lo alto su cumpleaños, había comprado unos billetes para un viaje en tren.

Guido ve cada experiencia trágica como una oportunidad, y siempre adopta una actitud positiva a través de estas experiencias, lo que le ayuda a mantener la sensación de que el y su hijo controlan la situación, no los nazis que les dominan.

Tras llegar en tren al campo de concentración Giosué le pregunta a Guido que clase de juego están jugando y Guido utiliza esta pregunta para crear un detallado juego, con reglas, premios y condiciones. En una escena ya clásica, Guido , que no sabe nada de alemán se ofrece para traducir las instrucciones del oficial nazi a los judíos recién llegados al campo de concentración. Con una creatividad y espontaneidad única, Guido arriesga su vida para mantener el juego y continuar protegiendo a su hijo (ver video a continuación).

El enfoque de Guido puede ser irreal e imposible, sin embargo este no es el punto de la fábula ni el propósito de nuestro post. La película ayuda al espectador a examinar las fortalezas de Guido y como estas fortalezas pueden ser utilizadas para remontar obstáculos aparentemente irremontables.

La creatividad de Guido se extiende hacia su hijo, su mujer y todos aquellos con los que está en contacto. Amortigua el estrés de su hijo, pero también le facilita sus intentos por sobrellevar la vida en el campo.

Como una persona creativa, Guido tiene ideas y comportamientos que son muy originales y adaptativos a las situaciones a las que se enfrenta. Guido toma decisiones flexibles, es capaz de encontrar orden en cualquier tipo de caos, construye continuamente  nuevas estructuras mentales, se cuestiona todo tipo de normas, posee una gran imaginación,etc.Elementos clave en la definción de la creatividad

Asi mismo, la manera en que Guido procesa la información es creativa en su espontaneidad y flexibilidad. El producto final, un juego con el campo de concentración, refleja una imaginación de proporciones enormes. El persuasivo poder de su creatividad emerge a lo largo de la película, logrando convencer a su mujer para que se casen o luchando para salvar a su hijo.

Obviamente Guido tiene una serie de cualidades y fortalezas que van mas allá de su creatividad como son el optimismo, la inteligencia interpersonal, la valentía, la persistencia, el sentido del humor, el autocontrol o la esperanza. Sin embargo es la creatividad la principal fortaleza que nos muestra la película y se convierte en eje de la historia, Guido ama creativamente, ríe creativamente, incluso lucha creativamente.

Sería muy interesante estudiar cuales son las fortalezas mas prevalecientes entre los supervivientes de los campos de concentración, como ayudaron estas fortalezas a sobrellevar y afrontar unas circunstancias tan terribles. Mientras que un ficticio Guido lo afronta desde la creatividad como fortaleza, Víctor Frankl nos cuenta en “El hombre en busca del sentido” como él sobrevivió gracias a dos fortalezas, la capacidad de trascender y una mente abierta, mientras que Elie Wiesel nos habla en “Trilogía de la noche” de la prudencia y la persistencia como sus mayores mecanismos de afrontamiento.

Capacidad para emocionarnos, optimismo, vitalidad, sentido del humor y fortalezas de su personaje son algunas de las características que convierten a La vida en una gran película filmoterapeutica, y es que cuando uno ve de nuevo la película entiende rápidamente porque ha sido elegida entre las 5 películas mas filmoterapeuticas de todos los tiempos por nuestros lectores(VER LISTA).